Wurden die bisherigen Arbeiten von R. Estlund sowohl von Kritikern als auch Zuschauern mehr als positiv aufgenommen, kann die Reaktion auf den fünften abendfüllenden Film des Regisseurs als zwiespältig bezeichnet werden, daran änderte auch die Goldene Palme bei den Filmfestspielen von Cannes nichts. Der Gemeinplatz fast aller Rezensionen war die Feststellung, Estlund habe „ein zu großes Stück abgebissen“, also zu viele akute gesellschaftliche Themen im Film berührt und nicht alles mit ausreichender Vollständigkeit preisgegeben. Doch um diese Aussage als wahr zu erkennen, muss man zunächst die Frage beantworten: Worum geht es in „The Square“?
Soziologie oder Psychologie?
Die Antwort liegt auf den ersten Blick auf der Hand: Kvadrat macht sich über fast alle Phänomene lustig, die den Charakter der modernen westlichen Gesellschaft bestimmen – vom Feminismus bis zur zeitgenössischen Kunst, von der politischen Korrektheit bis zum Zerfall familiärer und sozialer Bindungen. Und wenn die Leere derselben zeitgenössischen Kunst sehr deutlich demonstriert wird, wie sie sagen, „frontal“, dann wird das Thema der Entfremdung zwischen Menschen sehr subtil und überzeugend offenbart. In der Welt, in der Christian lebt, hört niemand jemanden: Jeder ist auf sich und seine Probleme fixiert, und daher gleichen die Gespräche der Figuren oft Dialogen im Theater des Absurden (besonders bezeichnend dafür ist die Kommunikation zwischen Christian und Anna betrachten). Als filmische Illustration zahlloser soziologischer Studien zu aktuellen Problemen der Zivilisation der „goldenen Milliarde“ kann „The Square“ dennoch nicht gelten – schon allein deshalb
Estlund baut keine Illusionen über die heutige Gesellschaft auf und neigt nicht dazu, seine Bewohner zu idealisieren. Wie jeder große Künstler interessiert ihn vor allem die innere Welt eines Menschen, seine Psyche und insbesondere so grundlegende Merkmale wie Aggressionsneigung und das Verhältnis von Rationalität und Irrationalität. Und hier kommen wir dem Verständnis der wahren Bedeutung des Films näher.
Was ist der Sinn des Films?
Aggression ist laut Estlund ein fester Bestandteil der menschlichen Natur: Sie kann unterdrückt, aber nicht zerstört werden. In der raffiniertesten und gebildetsten Person schlummern die uralten Instinkte der Zerstörung, Beherrschung und Verteidigung ihres Territoriums, und um sie zu wecken, bedarf es keineswegs grandioser Ereignisse, die unbedeutendsten genügen. In einer supergesättigten und wohlhabenden Gesellschaft werden kleine Zwischenfälle wie ein gestohlenes Smartphone und die Manschettenknöpfe des Großvaters jedoch zu Shakespeares Drama. Anstatt sich entweder bei der Polizei zu melden oder einzuschlagen, startet die Hauptfigur des Films ihren eigenen Kreuzzug gegen die mutmaßlichen Diebe, der ihr Leben und das ihrer Mitmenschen ruiniert. Christian, der sich und das Publikum als perfekte Verkörperung eines „politisch korrekten Menschen“ sah, rollte mit ohrenbetäubendem Lärm von diesem Podest, aber nicht, weil er so schlecht ist, sondern weil
Sie können konfliktfreies Verhalten schon in jungen Jahren als einzig richtiges Verhalten einpflanzen, und Kinder werden sich trotzdem streiten. Sie können sorgfältig durchdachte Lebensstrategien anbieten, und die Person wird auf einer Welle von Emotionen „getragen“, und alle ihre Entscheidungen werden irrational sein. Sie können die Ideen des Humanismus predigen, und den Nutzern im Internet wird ein Video mit einer sadistischen Szene gefallen. Und damit gerät die westliche Gesellschaft in eine Sackgasse, in der sich alle Gesellschaften befinden, die von den Menschen ein für sie ungewöhnliches Verhalten verlangen (hier ist es angebracht, an die sowjetische Ideologie der 1920er und 1960er Jahre zu erinnern, die forderte, das Material abzulehnen und sich auf beides zu konzentrieren die Weltrevolution oder den Aufbau des Kommunismus).
Was hat die Performance mit dem „Affenmenschen“ zu bedeuten?
Die Szene im Museum, in der der Schauspieler, der den wilden Orang-Utan darstellt, über das ursprüngliche Programm hinausgeht und versucht, einen der Bankettteilnehmer zu vergewaltigen, ist die Essenz von Estlunds Reflexionen über die menschliche Natur. Einige Kritiker interpretieren den „Orang-Utan“ als metaphorische Darstellung des Problems von Migranten, die zuerst gerufen wurden und dann über das Ergebnis entsetzt waren, aber Migranten sind hier nicht im Geschäft. Die Wahrheit ist, dass in jedem der polierten Herren an den funkelnden Kristall- und Silbertischen ein schwer atmendes „Tier“ lebt, wie schwer es für sie wäre, das zuzugeben. Das ist Gogols „Wer lachst du? Du lachst über dich selbst! “, Und nicht die Opposition der zivilisierten und der Dritten Welt.
Gleichzeitig ist Estlunds Lachen nicht ohne Bitterkeit: Immerhin ist die zweite Bedeutung der Szene eine Warnung vor der Gefahr, mit Gewalt und Aggression zu kokettieren. Selbst in sorgfältig einstudierter Form ist ein solcher Flirt mit unvorhersehbaren Folgen behaftet: Es ist viel einfacher, den Geist, also die Bestie, aus der Flasche zu befreien, als ihn zurückzutreiben.
Was bedeuten die Anfangsbilder des Films?
Vor dem Museum stand eine Kupferskulptur aus dem 18. oder 19. Jahrhundert, die jedoch für eine moderne Installation entfernt wurde. Diese Szene hat einen hohen Symbolwert: Die moderne Gesellschaft lehnt die Ideale der Vergangenheit ab, moderne „Schöpfer“ werfen die Klassiker vom Sockel, und gewöhnliche und gesichtslose Charaktere ersetzen die wahren Helden, Herrscher oder Feldherren zu Pferd.
Was bedeutet das Bild eines gekränkten Jungen?
Ein Kind, das von Christian eine Entschuldigung verlangt, ist eine sehr interessante Figur, die sich allmählich von einem halbkomischen Bild zu einem dramatischen Bild entwickelt. Es ist eine große Versuchung, in ihm die Verkörperung von Dostojewskis berühmter Maxime über die Weltharmonie zu sehen, die keine Kindertränen wert ist (und die Tatsache, dass Estlund Fjodor Michailowitsch gelesen hat, wird durch den „sprechenden“ Nachnamen des Darstellers belegt, der den Affen porträtierte). In einer idealen imaginären Welt ist Christian ein Verfechter des Humanismus; in der realen Welt lässt er ein unschuldiges Kind leiden. Und es ist kein Zufall, dass der Regisseur seinem Helden die Möglichkeit verweigert, sich zu entschuldigen.
Was ist die Bedeutung des Namens?
Kritiker bieten mindestens drei Interpretationen des Filmtitels an. Dem ersten zufolge spielt es die Diskrepanz zwischen der Idee der gleichnamigen Installation und ihrer Umsetzung auf: Statt zu einem Ort der Freundlichkeit und Fürsorge zu werden, wurde der Platz für eine Werbekampagne mit einer Explosion eines Kindes genutzt . Die zweite Deutung orientiert sich am Namen des berühmten Gemäldes von Malewitsch und betrachtet den Platz, in dem sich Leere befindet, als Symbol der zeitgenössischen Kunst. Und schließlich schlägt die dritte Interpretation vor, sich von den Problemen der Kunst zu entfernen: Ein Quadrat ist die Verkörperung rationaler, geometrischer Korrektheit, verifizierter sozialer Formeln, die nicht funktionieren, weil es unmöglich ist, die menschliche Seele zu berechnen und zu sortieren.
Interessante Tatsache
Die Installation mit dem „Raum des Guten“ ist keine Erfindung des Regisseurs. Einige Jahre vor den Dreharbeiten des Films realisierte Östlund ein ähnliches Projekt auf dem zentralen Platz der schwedischen Stadt Vernamu. Estlund hoffte, dass der Platz ein Territorium der gegenseitigen Unterstützung werden würde, aber die Öffentlichkeit zog es vor, ihn auf ihre eigene Weise zu nutzen: Liebende begannen dort, Verabredungen zu treffen, und politische Aktivisten – um Proteste zu organisieren. Durch die kreative Neuinterpretation dieser Erfahrung machte Östlund die Installation zu einem der Hauptsymbole des Films.
