Wenn es darum geht, die Bedeutungen und möglichen Subtexte von Alex Garlands neuem surrealistischen Horrorfilm Men zu erkunden, ist der Regisseur bemerkenswert umsichtig. Als Erzähler, der immer so gelehrt zu sein scheint wie die Filme, die er geschaffen hat, darunter 28 Days Later , Ex Machina und Annihilation , erörtert Garland das Projekt vor der Veröffentlichung einmal mehr mit Bedacht. Aber er tut es zweideutig.
Im Großen und Ganzen ist Male Gender ein Kunstwerk, das sich jeder Interpretation oder Erklärung darüber entzieht, warum die Dinge so geschehen, wie sie geschehen. Es gibt jedoch viele kontextuelle Hinweise im Film, bis hin zu den Skulpturen des Grünen Mannes, auf die Garland oft zurückgreift, um den elementaren Horror in den Beziehungen zwischen Männern und Frauen zu erklären.
WARUM ALLE MÄNNER GLEICH AUSSEHEN
Irgendwann stellt Harper fest, dass alle Männer in ihrem Leben, abgesehen von ihrem toten Ehemann, gleich aussehen: Sie alle sind Rory Kinnear. Er spielt den ersten Mann, den Harper im Urlaub auf dem Lande trifft. In diesen Szenen lächelt er und plaudert freundlich, beginnt aber schon damals trotzig seine Beziehung zu Harper, indem er ihr vorwirft, einen Apfel aus dem Garten gegessen zu haben, wie Eva in der Bibel.
Er findet sich allein in einem Meer von ununterscheidbaren Gesichtern wieder, denn Kinnear spielt auch einen unzüchtigen Priester, der Harper schärfer kritisiert, weil sie sich nicht von ihrem verstorbenen Ehemann James „entschuldigen“ lässt, weil er sie geschlagen hat; außerdem ist er sowohl ein örtlicher Polizist als auch ein Krimineller, wobei letzterer versucht, völlig nackt in das Haus der Heldin einzubrechen.
Kinnears Gesicht überschneidet sich sogar mit dem des kleinen Jungen, der Harper eine Minute später eine „Schlampe“ nennt.
Die offensichtliche Lesart des Films ist, dass alle Männer gleich sind: Der erste von ihnen ist ein starrer Perverser, der versucht, jede Frau in Reichweite zu quälen und in Besitz zu nehmen. Garland hat diesen „Brotkrumen“ in einem Interview angedeutet:
Eine Frage vielleicht: Denkt Harper, dass alle Männer gleich sind? Denn weder Harper noch der Film erwähnen dies jemals. Es bleibt nur dem Zuschauer überlassen, dies zu bemerken. Ist es also so, dass Harper alle Männer gleich sieht, obwohl sie in Wirklichkeit anders sind, oder sind alle Männer gleich und sie sieht es nicht? Das sind zwei Fragen, die sehr ähnlich klingen, aber zu sehr unterschiedlichen Ergebnissen führen.
Wahrscheinlich spielt es keine Rolle, dass sie alle gleich aussehen; Tatsache ist, dass sie alle auf Harper auf die gleiche Weise wirken und ein ursprüngliches Gefühl der Bedrohung und Unterdrückung erzeugen.
Ihr Bedrohungsgrad schwankt, bis sie sich auf dem Höhepunkt des Films zu einem einzigen patriarchalischen Monster formieren. Zunächst ist ein nackter Stalker viel beunruhigender als ein kleiner Junge mit einer Halloween-Maske. Aber zusammen ergeben sie denselben erstickenden Käfig, in dem Harper ihr ganzes Leben lang gefangen war. Vielleicht ist aus diesem Grund neben dem bereits erwähnten Stalker zunächst der Pfarrer am gefährlichsten, der angeblich kommt, um Harper zu trösten, nachdem er ihre Schmerzensschreie in seiner Kirche gehört hat.
Wenn er neben ihr sitzt, kann er eine moderne Maske der Freundlichkeit aufsetzen, da Priester in der Gesellschaft wohlwollend bleiben. Es wird angedeutet, dass Harper kein religiöser Mensch ist und sich nie zu Gott bekannt hat. Dennoch offenbart sie ihre tiefsten Geheimnisse: dass sie ihren Mann an dem Tag, an dem er sie zum ersten Mal schlug, hinauswarf und dass sie seinem Blick begegnete, als er fiel.
Und es ist dieses uralte Recht der „Anerkennung“ (im allgemeinen Sinne, wenn auch nicht im katholischen), das es dem Pfarrer erlaubt, seine väterliche Autorität zu missbrauchen und sie wegen ihrer angeblichen Schuld am Tod von James zu verurteilen. Und er urteilt nicht nur, er wird auch derjenige sein, der später direkt die lüsternen Gedanken äußert, die so viele Männer an ihr hatten.
„Ich habe Sie mit offenem Mund gesehen“, sagt der Pfarrer auf dem Höhepunkt. „Mit gespreizten Beinen… Das ist die Macht, die du über mich hast.“
Unabhängig davon, ob alle Männer gleich sind oder nicht, werden sie alle – einige in viel stärkerem Maße als andere – von einem System unterstützt, das ihnen eine erschreckend unausgewogene Macht über Harper verleiht. Und sie alle sind in der Lage, sie für ihre eigenen Sünden „verantwortlich“ zu machen.
Das ursprüngliche Grauen ist etwas, mit dem sich Frauen seit jeher auseinandersetzen, und darauf läuft das Finale von „The Human Race“ tatsächlich hinaus.
WARUM RORY KINNER DER GRÜNE MANN WIRD
Dies geht auf das grundlegendste und ursprünglichste Bild zurück, das Harpers Unterbewusstsein ebenso heimsucht wie der Geist ihres Mannes: der Grüne Mann. Sein undurchdringlicher, aber intensiver Blick durchdringt den Film ebenso wie die weniger bekannte Sheela na gig, eine ähnliche weibliche Schnitzerei aus der mittelalterlichen Architektur, die grafisch eine Frau darstellt, die ihren Schoß spreizt.
Beide Bilder werden auf dem Band als Gebäude präsentiert, die die Kathedrale schmücken. Sie verweilen dann in Harpers Kopf, bis Kinnears bösartige Präsenz sich in den Grünen Mann verwandelt: ein gottähnliches Wesen, das Harper mit Sporen aus seinem Mund zu infizieren scheint.
Garland zufolge entstand die Idee für den Film aus seiner Faszination für die Schnitzereien der Grünen Männer, die in ganz Europa und darüber hinaus zu finden sind, wobei die frühesten bekannten Versionen mindestens aus dem zweiten Jahrhundert nach Christus stammen. Ihre ureigene Stärke liegt in ihrer Unerklärlichkeit, und deshalb wurden sie im Mittelalter von den christlichen Kirchen übernommen.
Es gibt nicht wirklich viele Informationen über sie. Manchmal bieten Leute, Akademiker, Wikipedia oder was auch immer, eine Erklärung für sie an, aber es gibt wirklich keine klare, wirklich gute Erklärung, weil sie in [diesen Kulturen] vor der Schriftsprache entstanden sind.
Eine populäre, aber wissenschaftlich nicht fundierte Theorie stammt von Julia Somerset, auch bekannt als Lady Raglan, die den Begriff „Grüner Mann“ in einem Artikel aus dem Jahr 1939 prägte, den sie über die Figur und die britische Folklore schrieb. In demselben Artikel argumentierte sie, dass „das inoffizielle Heidentum Seite an Seite mit der offiziellen Religion existierte, und dies erklärt die Präsenz des Grünen Mannes im Kirchenfenster mit der Jungfrau neben ihm und unter ihm in der Sonne“.
Auch wenn sich Male Gender nicht zu sehr mit der Beziehung zwischen der heidnischen und der christlichen Symbolik des Grünen Mannes beschäftigt, so wird doch die hartnäckige und unbeirrbare Frauenfeindlichkeit, die beide repräsentieren, in Garlands Drehbuch und in Harpers Albträumen spürbar.
Wie Lady Raglan sieht der Film den Grünen Mann als Relikt einer Vergangenheit, die existierte, bevor das Christentum unsere moderne Welt mitgestaltete. Doch die gleichen Werte, die der Grüne Mann (zumindest in Garlands Interpretation) zu suggerieren scheint und die mit dem lüsternen Begehren der Frauen verbunden sind, haben bis heute überlebt.
Garland deutet also an, dass es hier nicht um den so genannten „Kampf der Geschlechter“ oder gar um eine zynische Sicht des christlichen Patriarchats geht. Vielmehr handelt es sich um eine Ungeheuerlichkeit, die in der Haltung der Männer gegenüber den Frauen schon vor der Niederschrift der Geschichte existierte.
WARUM HAT SICH RORY KINNER SECHS MAL SELBST BEFRIEDIGT?
Das alles geht auf den seltsamsten Moment des Films zurück: Der Grüne Mann entblößt seine eigene vaginale Gebärmutter und bringt fünf verschiedene Generationen zur Welt, eine schwächer und erbärmlicher als die andere, jede mit Narben und Groll, für die er die Frauen verantwortlich macht.
Das ist ein wildes Bild, das wahrscheinlich viele Zuschauer abgeschreckt hat. Dies ist jedoch die Hauptaussage des Films.
Vor dem Finale haben wir gesehen, wie Harper ihren persönlichen Schmerz über den Verlust von James verarbeitet hat und wie er und die gesamte Kultur sie dafür verantwortlich gemacht haben, dass er sie geschlagen hat, und für seine nachfolgenden Handlungen. Dies ist ihre persönliche Zeit der „Heilung“, wie ihr Freund sagt.
Doch Male Gender hebt die Horrorfabel am Ende auf die Makroebene, denn Kinnear verkörpert nicht nur alle Männer in diesem einzigen, auf den Kopf gestellten Dorf, sondern Männer in der gesamten Geschichte der Gattung. Der Kreislauf der toxischen Männlichkeit wird von Generation zu Generation weitergegeben, und die Ressentiments vergangener Jahrhunderte gegen Frauen werden in die Zukunft übertragen.
Wir sehen dies in einer täuschend milderen Form, wenn Geoffrey zu Beginn von Akt 3 versucht, Harper zu helfen. Er bezeichnet sie als „Jungfrau in Nöten“, als er sie verängstigt vorfindet, weil ein Mann versucht, nachts in ihr Haus einzubrechen, und erklärt sich dann widerstrebend bereit, die Gegend im Dunkeln zu durchsuchen, um sie zu schützen. Er verkündet diese Entscheidung mit den Worten: „Du hast alle Eigenschaften eines gescheiterten Militärs“. Das ist es, was Geoffreys Vater ihm offenbar sagte, als er sieben Jahre alt war.
Wie aus verängstigten Jungen gebrochene Männer werden und wie die Hässlichkeit früherer Generationen von ihren Kindern in der nächsten verinnerlicht wird, zeigt sich an Jeffreys zunächst selbstironischem Lächeln, bevor er es später in einen Spott verwandelt und Harper an den Haaren zieht. Er verspottet sie, weil sie es wagt, allein zu reisen, ohne jemanden, der sie beschützt.
In den letzten Momenten des Films sehen wir in allen Einzelheiten, wie endlose Wiederholungen toxischer Männlichkeit etwas Schwaches und Mitleid erregendes geschaffen haben. Garland merkt an, dass es sich hierbei um eine Umkehrung der meisten Horrorfilme handelt, in denen das Monster nicht stärker und gefährlicher wird, sondern mit jeder Geburt immer hilfloser. Jedes „Kind“ hat auch die gleiche Wunde, die den Frauen angelastet wird, nämlich einen gebrochenen Arm.
Das ist seit Jahrtausenden so – von den Heiden der keltischen Britischen Inseln bis zum modernen Pfarrer – und so geht es weiter bis zum modernen weltlichen Mann, Jakobus.
WAS DIE RÜCKKEHR VON EHEMANN HARPER BEDEUTET
In der endgültigen Form der Kreatur, die mit dem Grünen Mann beginnt und im 21. Jahrhundert endet, bekommen wir James, einen Mann, dessen eigene neolithische Unsicherheiten sogar Harper und ihn selbst zu überraschen scheinen. Das erste Bild, das wir im Film sehen, ist der Moment seines Todes, als er Harpers Blick begegnet, während er aus dem Stockwerk darüber fällt.
In späteren Rückblenden erfahren wir, dass Harper diesen Tag damit begann, James mitzuteilen, dass ihre Ehe vorbei sei; sie verlässt ihn. Die Art und Weise, wie Buckley und Essidu diesen Moment spielen, ist fesselnd, denn sie sind eindeutig dazu bestimmt, ein modernes, vornehmes Londoner Paar zu sein, das bis zu diesem Tag noch nie körperlich misshandelt wurde. James überspielt die Situation, indem er verspricht, sich umzubringen, wenn sie ihn verlässt, woraufhin Harper zu schreien beginnt.
In diesem Moment schlägt er sie und schockiert damit sowohl sich selbst als auch seine Frau. Ihre berechtigte Wut ist also sowohl auf seinen Verrat als auch auf seine bis dahin unbekannte Fähigkeit zu Gewalt und Besitzdenken zurückzuführen.
Und doch kann sie nicht umhin, sich wegen seines Todes schuldig zu fühlen. Vielleicht liegt das daran, dass sie nicht weiß, ob es sich um Selbstmord handelt? Jedenfalls macht sie gegenüber dem Pfarrer eine seltsame, befremdliche Bemerkung: Könnte er sie gesehen haben, als er in den Tod stürzte?
Natürlich konnte er ihr in die Augen sehen. Das zeigt sich deutlich in der ersten Szene. Es ist der Moment des Wiedererkennens, der den Tod so surreal macht.
Sie sagt dem Pfarrer, dass sie sich wohl eingebildet hat, ihn zu sehen, weil sie herausgefunden hat, wie erbärmlich und unfähig James war, sich gegen mächtigere Kräfte zu wehren, die ihn, wie die Schwerkraft, zu einem bitteren Ende bringen würden. Aber vielleicht konnte auch er sie zum ersten Mal in seinem Leben als eine Frau sehen, die in einem Käfig eingesperrt ist, in dem er sie halten will, eine Eigenschaft, aus der es kein Entkommen gibt.
Am Ende des Films ist sie immer noch gefangen und unfähig, das Haus zu verlassen, als sie beschließt, wegzulaufen. Die Männer nehmen ihr Auto und hindern sie daran, das Haus zu verlassen, das ebenso klaustrophobisch ist wie die Wohnung, in der sie James sterben sah.
Und dort sieht sie schließlich, wie der Grüne Mann über viele Generationen hinweg zu James wird, einem bemitleidenswerten, schwachen Mann, der schon vor seiner Geburt von uralten Kräften, sowohl biologischen als auch soziologischen, zerstört wurde. Schließlich ist Harper gezwungen zu fragen, warum das so ist.
„James, was willst du von mir?“ fragt Harper mit berechtigter Verärgerung.
„Deine Liebe“, bemerkt er am Ende.
Männer haben einen riesigen, unentrinnbaren, weltweiten Käfig geschaffen, um „Liebe“ zu fangen, die sie nicht ganz verstehen können. Harper sieht und versteht James endlich. Und damit ist sie von seinem Geist befreit.
Die Bedeutung des Films Men – Was dich sucht, wird dich finden
Regisseur und Drehbuchautor Alex Garland hat den Film „Male Gender“ mit vielen Symbolen gefüllt, deren Bedeutung auf unterschiedliche Weise interpretiert werden kann. Interessant ist jedoch, dass man, unabhängig vom Inhalt der Interpretationen, höchstwahrscheinlich in der Hauptsache richtig liegt und auf die eine oder andere Weise die festgelegte Idee erfasst. Sogar diejenigen, die glauben, dass es sich um einen Film „für Frauen und gegen Männer“ handelt, haben im Grunde genommen Recht, nur sehen sie nur die Spitze des Eisbergs. Versuchen wir, die wichtigsten Punkte zu analysieren und tiefer in die Essenz des Films einzudringen.
So beginnt der Film mit einem Verweis auf den biblischen Mythos der verbotenen Frucht vom Baum der Erkenntnis von Gut und Böse, die Eva pflückte und für die sie zusammen mit Adam aus dem Paradies auf die Erde verbannt wurde. Der Besitzer der Jeffrey-Villa, der die Heldin beobachtet und ihr ihr Fehlverhalten vorwirft, verhält sich wie ein Gott mit Macht. Darüber hinaus erinnert er das Mädchen an ihre „unreine Natur“, indem er über weibliche Hygieneprodukte spricht.
Jeffrey versucht so auf sanfte Weise, Harper Schuldgefühle einzuflößen. Absolut alle männlichen Personen im Dorf tun dies auf die eine oder andere Weise und übertragen damit die Position des verstorbenen Ehemanns des Mädchens James.
Der verzweigte Baum, den Harper bei einem Spaziergang sieht, symbolisiert vielleicht die männliche Rasse, aber eher im Allgemeinen die menschliche Rasse, die in den Tiefen der Jahrhunderte verwurzelt ist. Die Szene im Regen soll zeigen, wie glücklich die Menschen in der Antike waren, als sie in Einheit mit der Natur, mit dem Garten Eden, lebten und sich nicht mit den Unterschieden zwischen dem weiblichen und dem männlichen Geschlecht beschäftigten.
Dann kommt die Erkenntnis von „Gut und Böse“, genauer gesagt, von Mann und Frau. Zunächst kommt Harper durch einen mit Feuchtigkeit gefüllten Tunnel (offensichtlich ein Symbol für das weibliche Geschlechtsorgan) mit seinem weiblichen Geschlecht in Berührung und empfindet Freude. Dann unterbricht ein nackter Mann die Idylle und verfolgt die Heldin bis zum gegenüberliegenden Tunnel – dem männlichen, in den der Durchgang verschlossen ist. Sein Lauf wird vom Schrei eines Raben begleitet, der in vielen Religionen ein schlechtes Omen ist, in der christlichen Tradition die Personifizierung der Mächte der Hölle und des Teufels.
Als Harper einer Freundin das Foto eines nackten Stalkers zeigt, schreibt sie eine Abkürzung für „Oh mein Gott“. So wird uns zu verstehen gegeben, dass dieser Vertreter des männlichen Geschlechts sich wie Jeffrey für einen Gott hält und in Wirklichkeit sein Gegenteil ist. Zur Bestätigung stellt der Verfolger den Besitzer („Gott“) dar, der den Verlust des „Paradiesbaums“ entdeckt hat, aber wie ein Unhold in das Haus einbricht.
So vermischt der Regisseur von Anfang an biblische und heidnische Mythologie (ab der folgenden Szene im Tempel wird dies immer deutlicher) und verschärft nach und nach den Konflikt zwischen dem Weiblichen und dem Männlichen. Und obwohl das eine als das Gute dargestellt wird, für das man eintreten möchte, das andere als das erschreckend Böse, wird doch angedeutet, dass die Heldin nicht ohne Sünde ist. Sie hat Jeffrey angelogen, weil sie nicht Klavier spielt. Obwohl sie in einem Gespräch mit einer Freundin sogar leicht beleidigt ist, dass sie sich ihrer Fähigkeit, Musik zu spielen, nicht bewusst ist.
Weiter im Tempel gibt es Andeutungen „auf der Stirn“: der Grüne Mann und Shila-na-gig. Der erste ist eine Figur, die in vielen alten Kulturen auf der ganzen Welt vorkommt. Sie wird in der Regel als humanoides Gesicht dargestellt, das von Blättern umgeben ist oder besser gesagt, mit ihnen wächst. Der grüne Mann wird mit der männlichen Seite der Naturgewalten, mit der Wiedergeburt, mit dem Beginn eines neuen Frühlingszyklus des Lebens assoziiert.
Darüber hinaus wird nach der Handlung des Films ein nackter Verfolger in ihn reinkarniert (die erste Szene der Reinkarnation wechselt mit der „Wiederbelebung“ eines toten Rehs, das zur Nahrung für Vertreter eines neuen Lebens wird). Sheela-na-gig ist eine weitere uralte Figur, die die weibliche Seite der Naturgewalten verkörpert und oft als Frau mit einem hypertrophierten Geschlechtsorgan dargestellt wird.
Die Männer, die Harper im Dorf umgeben, verhalten sich wie Aggressoren: Der Priester beschuldigt das Mädchen, der Teenager (in der Maske von Marilyn Monroe, einer Schauspielerin, die unter der männlichen Aufmerksamkeit litt) beleidigt sie, der Polizist lässt den Verfolger frei. Der Regisseur stellt sie absichtlich als einander ähnlich dar – es ist kein Zufall, dass sie alle von demselben Schauspieler gespielt werden. Der Druck der Männer wird immer einschüchternder und nimmt einen mystischen Charakter an: Sie reinkarnieren sich ineinander und machen Harper Angst. Der Vermieter Jeffrey scheint der angemessenste von allen zu sein, obwohl er in Wirklichkeit nur einen tapferen Verteidiger darstellt, der sich im Finale in einen offenen Aggressor verwandelt. Jeffreys Worte über seinen Vater sind ein weiterer Hinweis darauf, dass er ein integraler Bestandteil der männlichen Rasse ist, die die Heldin verfolgt.
Harper inhaliert Löwenzahnsamen („Männersamen“), die während des gesamten Films im Bild flackern: Die Welt der Männer dringt tiefer in die Heldin ein und versucht, sie zu beherrschen. Doch das Mädchen gibt nicht auf und verletzt seine Verfolger. Allerdings haben sie sie selbst provoziert – alles, damit James wieder einmal seine Wunden zeigt und Harper die Schuld gibt.
Das Interessanteste an der Szene des Angriffs der Männer auf Harper ist die Rede des Priesters. Er nennt sich selbst den Schwan und erwähnt den Mythos von Leda und dem Schwan. Kurze Beschreibung des Mythos: Von der Schönheit des Mädchens, der Tochter des ätholischen Königs Thestius, bezaubert, erschien der Gott Zeus in Gestalt eines Schwans und nahm Besitz von ihr. Die erotische Komponente des Mythos inspirierte viele Bildhauer, Maler und Dichter. Tatsächlich ist diese Szene eine Fortsetzung der Hauptlinie des Films: ein Mann, der sich für einen Gott hält und das Mädchen (diesmal wegen ihrer Sexualität) beschuldigt, versucht, sie zu bekommen.
Vor der Schlussszene mit der buchstäblichen Wiedergeburt der Männer sieht Harper einen riesigen Sternenhimmel, die Milchstraße – ein weiteres Symbol für das Weibliche.
Während des gesamten Films beschuldigen und verfolgen die Männer die Heldin und erklären, sie sei ihr Eigentum. Was hat das alles zu bedeuten? Die kranke, unterbewusste Harper, die durch den Tod ihres Mannes psychologisch traumatisiert ist? Die Verkörperung des Missbrauchs? Vielleicht ja. Aber in erster Linie geht es darum, den Unterschied zwischen der männlichen und der weiblichen Welt aufzuzeigen. Die erste versuchte seit jeher, von der zweiten Besitz zu ergreifen, und zwar mit allen möglichen Methoden, von direkter Aggression bis zu scheinbar harmlosen Manipulationen.
Frauen wurden in die Schranken verwiesen, man sagte ihnen, sie seien schwach und müssten gehorchen. Aber jetzt ändert sich alles: Die Männer verlieren allmählich ihre Macht und werden sogar unglücklich. Diese Erklärung des Films „Male“ wird durch seine Schlussszene bestätigt.
„Männer“ spricht sehr relevante und schwierige Themen an
Nach dem tragischen Tod ihres Mannes verlässt Harper (Jesse Buckley) die Großstadt und zieht aufs Land. Sie mietet ein schönes Anwesen und will dort allein leben, um zur Ruhe zu kommen und ihre Gedanken zu ordnen. Der Besitzer des Hauses, Jeffrey (Rory Kinnear), scheint so freundlich wie möglich zu sein, wenn auch ein wenig aufdringlich. Doch dann begegnet Harper einem verrückten Fremden, und von da an werden die Dinge nur noch unheimlicher.
Wenn man sich die Plots von Alex Garlands Regiearbeiten ansieht, kann man leicht erkennen, dass er fast immer Frauen zu Hauptfiguren macht, und die Geschichte selbst ist an ihre Konfrontation mit der bedingten „männlichen“ Welt gebunden. Ja, formal geht es in dem Band „From the Machine“ um einen Programmierer, der sich für Androiden interessiert. Aber es ist auch ein Film darüber, wie zwei Männer testen, ob die Figur von Alicia Vikander „echt“ ist. Und in Annihilation beschäftigen sich Wissenschaftlerinnen mit außerirdischer Intelligenz, nachdem das männliche Militär nichts damit anfangen konnte. Und auch in Development ist es ein Mädchen, das herausfindet, was in der geheimen Abteilung eines IT-Unternehmens vor sich geht.
In The Kind of Man macht Garland schließlich die Auseinandersetzung der Gesellschaft mit toxischer Männlichkeit zum zentralen Thema. Gleichzeitig mischt er aber auch die Schuld ein, die dem Opfer auferlegt wird, und fragt sich, ob es einen Ausweg aus dem endlosen Kreislauf von Missverständnissen und Gewalt gibt.
Um das Thema zu verdeutlichen, bedient sich der Regisseur einer ungewöhnlichen Technik. Alle Männer, mit Ausnahme von Harpers Ehemann, werden von demselben Rory Kinnear gespielt. Das heißt, für die Heldin sehen sie im wahrsten Sinne des Wortes alle gleich aus. Das ist noch nicht einmal ein Spoiler, schauen Sie sich einfach die Bilder an.
Kinnear erweist sich als Meister der Verkleidung, und dabei geht es nicht nur um Make-up (und in einem Fall um gruselige Computergrafiken): In jedem der Bilder verhält er sich auf seine eigene Weise. In einer Pressemitteilung zum Film heißt es, dass der Schauspieler nicht nur den Charakter und das Verhalten seiner Figuren durchdacht hat, sondern auch ihre Biografien skizziert hat, um die Figuren besser zu verstehen. Jedes Mal gewöhnte sich Kinnear so überzeugend an die Rolle, dass sogar die Filmcrew ihn anders behandelte: Jeffreys Hemdglunker machte alle glücklich, und der sexbesessene Priester machte vielen Angst.
Eine der wichtigsten dramatischen Szenen des Films ist mit der letzten Figur verbunden, in der buchstäblich der ganze Schmerz der Hauptfigur zum Ausdruck kommt. Interessant ist übrigens, dass der Text im Dialog zwischen dem Priester und Harper von Jessie Buckley selbst erfunden wurde. Daher klingt er auch bei einer leicht grotesken Darstellung so realistisch wie möglich.
Hier geht es um Schuld und die Normalisierung von Gewalt. Darüber hinaus wird in „Male Gender“ auch deutlich, warum der Regisseur die Landschaft als Handlungsort gewählt hat. Für Harper hat ein einziger Moment der Aggression ihres Mannes einen Schlussstrich unter ihre Beziehung gezogen. Dennoch verlässt sie die moderne, fortschrittliche Stadt in der Wildnis. Und dort heißt es immer noch im Klartext, dass Männer manchmal Frauen schlagen, daran ist nichts auszusetzen. Hauptsache, man entschuldigt sich später.
Mit jeder Szene wird deutlicher, dass alles, was geschieht, teilweise eine Metapher für das innere Trauma der Heldin selbst ist. Sie versucht, sich von der Schuld für etwas zu befreien, das sie nie begangen hat. Denn obwohl Kinnear fast ein Dutzend Figuren spielt und Buckley nur eine, ist sie derselbe Archetyp, die Verkörperung einer unendlichen Zahl von Frauen, die sich in einer ähnlichen Situation befinden.
Das ist ein echter Horror, manchmal sogar zu unangenehm.
Male Gender wird als Horrorfilm präsentiert, obwohl Garlands früheres Werk eher als Science-Fiction eingestuft wurde. Zuschauer, die mit dem Werk des Autors gut vertraut sind, wissen jedoch, dass er schon immer wusste, wie man Angst macht. Bevor er seine Karriere als Regisseur begann, schrieb der Autor die Drehbücher für die Filme 28 Days Later und Danny Boyles Inferno. Ja, und in demselben „Annihilation“ gibt es gleich zwei unglaublich gruselige Szenen auf einmal – zum Beispiel das Auftauchen eines „Bären“ – die vielen klassischen Schreihälsen hundert Punkte voraus sind.
Doch nun hat sich der Regisseur endgültig dem Horrorgenre zugewandt. Genauer gesagt näherte er sich dem inzwischen populären Post-Horror oder „elevated horror“ (der Begriff elevated horror hat sich im englischsprachigen Raum längst etabliert). Garland verpackte ein düsteres Drama in eine Genrehülle und ergänzte es mit folkloristischen Elementen. Daher ist „Male“ eher mit „The Lighthouse“ und „The Witch“ von Robert Eggers zu vergleichen als mit dem Band „Ex Machina“.
Das erste Drittel des Films wirkt sogar ironisch. In einer der Szenen macht die Hauptfigur einen Spaziergang im Wald. Man kann sich leicht vorstellen, dass der konventionelle James Wan ein Dutzend Schreihälse in diese 10 Minuten werfen würde. Aber Garland pumpt die Spannung nur auf und verwässert das Geschehen manchmal sogar mit Humor. Aber wenn es dann wirklich hart auf hart kommt, liegen die Nerven bei allen Beteiligten blank. Allmählich wird der Film zu einer Art Analogon von „Repulsion“ (oder gar der gesamten „Apartment-Trilogie“) von Roman Polanski. Schließlich kann selbst Harper nicht verstehen, ob das, was mit ihr geschieht, real ist. Aber das ist nicht so wichtig.
Wenn die dramatische Handlung von The Male Clan recht geradlinig ist, so ist die Horrorkomponente metaphorisch. Der Regisseur hat viele Anspielungen auf die Mythologie gesammelt. Und dabei geht es nicht nur um die verständlichste religiöse Anspielung: Kurz nach ihrer Ankunft im Haus isst Harper ungefragt einen Apfel aus dem Garten. Es gibt auch komplexere Anspielungen: So ähnelt eines der Bilder von Kinnear eindeutig dem folkloristischen Green Man, der immer noch in englischen Pubs abgebildet wird.
Diese Figur ist übrigens die zweideutigste im ganzen Film. Vielleicht stellt er gerade wegen seiner Naturverbundenheit eine geringere Gefahr dar als andere Inkarnationen.
Wer jedoch von Garland nur ein schönes und intensives Spektakel erwartet, wird auf eine harte Probe gestellt. Am Ende des Films wird sich der Regisseur fast in den Lars von Trier der Antichristera verwandeln. Er wird religiöse und mythologische Anspielungen (googeln Sie mal „Sheela-na-gig“) mit naturalistischem Körperhorror mischen, den nur Menschen mit den stärksten Mägen verkraften können.
Ich bin sicher, dass die Schlussszenen viele Leute verärgern werden. Es wird den Anschein erwecken, dass der Autor sich absichtlich über sie lustig macht, indem er sie zwingt, Ekel und sogar Scham zu empfinden. Und das ist wahr. Ein Teil des Sinns der ekligen Szenen besteht darin, die Erfahrungen der Hauptfigur und vieler anderer Frauen nicht nur zu sehen, sondern auch zu fühlen.
Dennoch bleibt das Bild sehr schön.
Vielleicht klingt das nach der Beschreibung der Schrecken des Körperhorrors seltsam. Aber The Male Gender ist auch ein unglaublich ästhetischer Film. Garland schießt immer anmutig und sehr atmosphärisch. Selbst diejenigen, die „Developers“ für den Plot gescholten haben, bemerken die erstaunlichen Visuals. „Gender male“ erlaubt es, mit relativer Einfachheit zwei Facetten des Talents des Regisseurs zu offenbaren.
Zum einen ist Garland großartig in der Darstellung von Außenaufnahmen. Die Natur des englischen Gloucestershire, wo der Film gedreht wurde, ist an sich schon schön. Und der Regisseur lässt einen auch die Pläne von endlosen Feldern genießen, was wiederum entweder auf von Trier (vergessen wir nicht, dass es viele schöne Szenen in Antichrist gibt) oder auf das Idol des Dänen, Andrei Tarkovsky, verweist.
Garland stellt in einer Pressemitteilung fest, dass Male Gender wie eine Art Spiegel ist: Das Publikum wird selbst entscheiden, was der Film sagt und was er nicht sagt. Und hier zitiert er fast wortwörtlich Tarkowskijs Worte über seinen „Spiegel“. Und wenn man sich das Bild genau ansieht, wird man feststellen, dass Garland viele schöne Szenen durch Spiegelungen in Wasser oder Glas darstellt – auch das ist einer der Lieblingstricks des sowjetischen Klassikers.
Aber die böse Ironie ist, dass die äußere Schönheit mit vielen Gefahren verbunden ist, so dass die Heldin schnell aus dem bezaubernden Wald flieht. Oder vielleicht will Garland seine Helden einfach nur so schnell wie möglich in einen engen Raum bringen. Und hier zeigt sich schon die andere Seite des Talents: Der Autor schafft es perfekt, ein Gefühl der Hoffnungslosigkeit zu erzeugen. Kein Wunder, dass das Regiedebüt „Ex Machina“ fast vollständig in mehreren Räumen gedreht wurde. Und nicht nur das: Garland arbeitet erneut mit einer Minimalbesetzung von nur vier Personen.
Zusammen mit dem Produktionsdesigner, dem Bühnenbildner und dem Kameramann (alle Filme des Autors haben dasselbe Team, daher der wiedererkennbare Stil) verwandelte der Regisseur das alte Anwesen in einen der verstörendsten Horrorschauplätze. Die sanften Töne des Äußeren des Hauses weichen dem Rot im Inneren. Hier hat jeder Raum seine eigene Atmosphäre und viele wichtige Details. Und wenn es zum Höhepunkt kommt, verwandelt sich das schöne Haus in einen Käfig, durch den die Heldin rennt, während die Kamera ihr unerbittlich folgt.
Der Höhepunkt der Ästhetik ist jedoch die Szene im Tunnel, in der zur völligen Symmetrie und den Spiegelungen in den Pfützen ein Echo hinzukommt. Von diesem Moment an wird das Sounddesign zu einem nicht weniger wichtigen Teil des Bildes als die visuellen Elemente. Die Chormusik ist fast untrennbar mit den Geräuschen des Films verbunden: Der Schrei der Heldin wird zum Gesang aus dem Off, die Stimmen steigern die Spannung und vermischen sich mit dem Lärm.
Alex Garland schießt wieder langsam. Natürlich sind die Szenen nicht so langatmig wie in Development, denn das Timing ist dreimal geringer. Dennoch erlaubt es die Kamera, lange in die Gesichter der Figuren zu schauen, und die in Zeitlupe gedrehten Szenen werden zu Gemälden. Fast bis zum Schluss erfreut „Male Genus“ mit buchstäblich jeder Einstellung. Und zerstört diese Ästhetik dann böswillig mit brutalstem Körperhorror, um jede Romantisierung von Verletzungen loszuwerden.
„Gender male“ wird nicht jedem Zuschauer gefallen. Aber es scheint, als habe Alex Garland den Film absichtlich zu einem Test gemacht. Er gibt seine Gedanken nur zu direkt wieder, aber die Reaktion auf das Geschehen wird individuell sein. Jemand wird in den unangenehmsten Momenten lachen, jemand wird die Augen schließen, jemand hingegen wird sich nicht von der Leinwand losreißen können.
Aber unabhängig von den ersten Emotionen wird der Film sicherlich einen starken Eindruck hinterlassen. Denn seine Relevanz ist unübersehbar. Die Worte, die die Männer, denen die Heldin begegnet, aussprechen, lassen sich wortwörtlich in jeder Beziehungsdiskussion wiederfinden. Die Gefühle, die sie erlebt, sind jedem vertraut, der schon einmal mit toxischen Menschen zu tun hatte. Der Regisseur hat es nur geschafft, nicht nur über diese Gefühle zu sprechen und sie zu zeigen, sondern auch das Trauma spüren zu lassen. Und das ist ebenso ärgerlich wie wichtig.
